Morralla surge como crítica irónica a la desvalorización del patrimonio con la que muchas veces se trata a estos pedazos de historia, y a su vez, viene dado por el hecho de que hasta que no son descubiertos y puestos en valor exponiéndolos en un museo, son parte de la morralla del subsuelo.

Estos hallazgos hablan, cuentan la Historia de la Humanidad, relatan la cronología de las civilizaciones y rescatan la memoria de nuestros antepasados: gracias a estos hallazgos arqueológicos, hoy sabemos de dónde venimos y podríamos aprender hacia dónde vamos.

Como muchos restos se convierten en importantes vestigios y otros se desvalorizan y se destruyen, Morralla se manifiesta irónicamente mostrando esa dualidad del valor y la importancia, de según los ojos de quien descubra o contemple las piezas, puede magnificarlas o ignorarlas, exponerlas en museos, o abandonarlas bajo tierra.

Los restos nos indican información de la forma de vida de las antiguas civilizaciones,

¿Qué determina el valor de un hallazgo histórico?
¿Cuándo son morralla, y cuándo son reliquias?

La mancha hace visibles las características materiales propias de la pintura así como la gestualidad del trazo, se puede entender como un registro de las acciones que han tenido lugar en su soporte y conforma la parte mas orgánica de la obra

La trama aporta ritmo, orden y estructura, se relaciona con los procesos mecánicos de reproducción (grabados, serigrafía, puntos de luz RGB de un televisor de tubo catódico, pixels etc) También sirve para generar ruido y vibración en la imagen y eso ayuda a conectar el leguaje sonoro con el visual ya que otro de los puntos es relacionar pintura/imagen con música/sonido.

El uso de tramas también nos acerca visualmente a técnicas como el tapiz y el mosaico, empleadas tradicionalmente para obras de gran formato y murales y que por su manera de hacer se alejan mucho de mis procesos habituales a la hora de pintar una pared.

En la periferia murciana nos encontramos con varios elementos característicos: el equilibrio entre lo urbano y lo rural, y la presencia de espacios improductivos, dentro de los cuales destacan los terrenos en obras (tanto activas como inactivas), y aquellos vacíos de uso que acaban convirtiéndose en zonas residuales donde se acumulan desechos.
Partiendo de una defensa y reivindicación de la verdad en la producción artística, se busca mostrar la cara más sincera de esta población, espacios que se rigen por el desarrollo cotidiano de los acontecimientos y no por la búsqueda de la eficacia, la productividad o la estética. Zonas que aluden al pasado no histórico, a lo baldío, a lo erróneo, que no tienen uso ni definición, suponen interrupciones dentro del sistema que construyen la realidad, un mundo más pensable, por su franqueza, su contrariedad y su cotidianidad.
Se busca experimentar desde la propia fotografía, disciplina caracterizada en la actualidad por la sobreexposición a imágenes, lo que lleva a la saturación visual, donde las imágenes se vuelven menos impactantes y significativas. La abundancia de fotografías contribuye a la crisis de la imagen, ya que se diluye la capacidad de estas para transmitir un mensaje claro y auténtico.

La facilidad y rapidez para capturar imágenes lleva a una superficialidad en la forma en que se toman y comparten. Esto contribuye a la desrealización, término acuñado por Paul Virilio, ya que las imágenes se utilizan más como herramientas para construir una imagen idealizada en lugar de capturar y transmitir la realidad de manera auténtica. Las imágenes utilizadas en el proyecto han sido obtenidas tanto mediante fotografía digital como desde Google Street View, creando así una nueva capa de significado y nuevas preguntas respecto a la problemática de la desrealización en la época digital.
Se muestran imágenes en color y sin apenas edición , para no caer en la romantización. La aceptación del error y la renuncia a la espectacularidad son recursos esenciales en este proyecto. Además de con las propias imágenes, se busca recurrir a la textura y a lo escultórico para generar una obra más cercana y sincera, buscando generar experiencias no meramente ópticas, utilizando materiales como ladrillo, tela, hormigón, cristal, madera, papel, etc.

Bajo el lenguaje del sonido y su silencio se respira un caos humano y la belleza que se adentra en él, como el desgarro de una madre al dar a luz.

La incomodidad de este dolor representada por sonidos desordenados, gritos y mucho ruido desemboca en una sensación de alivio marcado por susurros y ecos.

El fin de esta obra es encontrar la belleza en el caos y encontrarme a mí.

Las obras exhibidas se caracterizan por su rica textura de aerosol y materiales crudos, añadiendo profundidad a esta dualidad. Reflejan la intersección donde lo básico se encuentra con lo complejo y lo crudo se mezcla con lo refinado. Carlos Cotes nos invita a reflexionar sobre cómo estas dos fuerzas aparentemente opuestas pueden coexistir y nutrirse mutuamente en nuestra realidad.

El tótem, en su esencia, simboliza la acción de erigir algo en la naturaleza, marcando la presencia humana en el mundo natural. A lo largo de la historia, ha sido un elemento constante en las comunidades tribales, representando una conexión con lo sagrado y una búsqueda de nuestros orígenes en un mundo cada vez más complejo y tecnológico.

Sin embargo, esta exploración no se limita a la mera reverencia por lo antiguo. La exposición también aborda provocadoramente temas sexuales, recordándonos que nuestra naturaleza primitiva abarca la expresión más íntima y cruda de la humanidad. Se nos desafía a reflexionar sobre cómo estos aspectos de nuestros impulsos más primarios se manifiestan en la actualidad.

En ‘’Dónde y Cuándo’’ trato de generar una respuesta en el espectador cuando se enfrenta a realidades artificiales, imágenes irreales generadas por IAs. La forma de hacerlo pasaría por generar unas imágenes mediante IA y vincularlas posteriormente a una ubicación, una época y unas circunstancias sociales determinadas que van a ser prácticamente ‘’retratadas’’ en primera persona por un fotográfo/a ficticio. Posteriormente, se trataría de crear objetos que puedan referenciarse dentro de este mundo ‘’ficticio’’ y exponerlos junto a las fotografías, de una forma tradicional, para traer las imágenes al ‘’plano material’’ y dotar a la exposición de un carácter casi arqueológico. El objetivo es tratar de comunicar que esas fotografías han sido halladas tras un proceso de investigación.

Mi enfoque es ahondar en las posibilidades de manufacturar relatos ficticios haciendo uso de IAs, y cómo esa ‘’ficción’’ podría convertirse en realidad si alguien quisiera hacerlo, independientemente de si el fin es bueno o malo. Hablar de como vemos el mundo y su historia a través de las imágenes que se nos proporcionan.
He pretendido retratar un mundo como el nuestro, de contrastes casi absurdos, de contraposiciones que son precisamente tan verídicas como la realidad misma. El mundo del hedonismo desenfrenado y el mundo de la guerra sin cuartel conviven en la
misma ciudad.